Productoras y sellos discográficos utilizan inteligencia artificial para crear experiencias y contenidos que permiten traer al presente artistas y obras del pasado. El fenómeno abarca música, conciertos y cine, y genera debate sobre nostalgia, mercado y arte.
En febrero de 2025, un hecho inédito ocurrió en la industria musical: por primera vez, una canción creada con ayuda de inteligencia artificial (IA) ganó el Grammy a la mejor interpretación de rock. Se trató de Now and Then, de The Beatles, surgida de un demo que John Lennon grabó en 1978 en su casa de Nueva York.
«Nunca pensé que estaría acá recibiendo un premio en nombre de mi papá», dijo Sean Lennon al recibir la estatuilla. Desde su lanzamiento oficial en noviembre de 2023, el tema acumula más de 116 millones de reproducciones en Spotify.
El caso muestra que la IA ya forma parte de los contenidos culturales y permite traer al presente obras y artistas del pasado. Una canción puede volver a producirse, un músico fallecido puede regresar al escenario y películas antiguas pueden transformarse en una experiencia nueva.
Estas tendencias se insertan en el consumo nostálgico, un mercado en crecimiento, especialmente entre los rangos etarios más jóvenes. El informe Culture Next 2022, de Spotify, indica que el 77% de la Generación Z disfruta cuando las marcas recuperan estilos estéticos del pasado, mientras que el 73% celebra el lanzamiento de productos o contenidos retro.
Un estudio de Luminate señala que los consumidores de entre 13 y 24 años se alejan cada vez más de la música actual para escuchar canciones lanzadas antes de que ellos nacieran. En plataformas de streaming, excepto Netflix, alrededor del 90% del tiempo de visualización corresponde a contenidos licenciados, compuestos casi en su totalidad por series y películas antiguas.
Experiencias con avatares y hologramas
En 2021, ABBA marcó un precedente con ABBA Voyage, el primer concierto digital con avatares de sus integrantes. La producción no implicó el uso de IA, pero combinó «lo viejo y lo nuevo, lo joven y lo no tanto», explicó Chris Mellish, presidente de BIMA y CEO de TMW Unlimited.
La productora estadounidense Base Hologram presentó An Evening With Whitney: The Whitney Houston Hologram Tour, un espectáculo que recreaba mediante un holograma a la cantante, acompañada de una banda en vivo, coristas y bailarines.
En agosto de 2025, Sphere Entertainment y Google estrenaron en Las Vegas The Wizard of Oz at Sphere, un espectáculo que convierte al clásico de 1939 en una experiencia sensorial e inmersiva, con nuevos elementos y personajes en una pantalla de casi 15.000 metros cuadrados. El proyecto involucró modelos Gemini optimizados, Veo 2 e Imagen 3 para ampliar los fondos e incluir elementos que no aparecen en las tomas originales. «La IA ha estado presente en más del 90% de la película», afirmó Ravi Rajamani, director general y jefe global de ingeniería de IA generativa en Google Cloud.
El guionista y director estadounidense Coerte Voorhees presentó en la CinemaCon el tráiler de As Deep as the Grave, película en la que «resucitará» a Val Kilmer mediante IA. Su fecha de estreno no está confirmada.
En el ámbito local, el show Ecos, de Soda Stereo, presenta un holograma hiperrealista de Gustavo Cerati junto a Charly Alberti y Zeta Bosio.
Franquicia perpetua y debate
Grafton Tanner, académico estadounidense y autor del libro Porsiemprismo, sostiene que gran parte de esta idea de «eternizar» hitos culturales mediante la IA se reduce al lucro. «En esencia, las compañías le están diciendo al público por qué cosas debería sentir nostalgia. Now and Then probablemente no haya eliminado la nostalgia de nadie por los Beatles; si acaso, probablemente la haya intensificado», señala a LA NACION. «En última instancia, genera ingresos para los sellos discográficos y los fondos de inversión que son dueños del catálogo de los Beatles», agrega.
Simon Reynolds, crítico de música británico y autor de Retromania y Still In A Dream, considera que el fenómeno es más complejo. «Ahora existe la posibilidad de producir material nuevo de una estrella muerta: nuevas canciones o interpretaciones creadas mediante IA. Así, el artista se convierte en una especie de franquicia perpetua mucho después de su muerte física», comenta. «Creo que apela menos a la nostalgia que al conservadurismo del consumidor: a evitar riesgos. Elegir aquello que ya conocés y que ya te gusta», completa.
Ernesto Martelli, director y fundador de MEDIA.ARQ, considera interesantes las experiencias que permiten «generar algo nuevo». Apunta que el show Ecos es «un rescate de algo que ya no puede suceder, simplemente porque Gustavo Cerati ya no está». «Están apareciendo iniciativas novedosas y originales. Todavía están en un estado precario, pero creo que se pueden lograr cosas muy buenas, o por lo menos, inéditas», asegura. Sin embargo, advierte que construir «excepcionalidad» en el arte será cada vez más difícil en un escenario de «contenidos y estímulos infinitos».
Innovación y resistencia en el arte
Refik Anadol, cofundador de Dataland, el primer museo de arte impulsado completamente por IA, ubicado en Los Ángeles, California, analiza: «La fotografía transformó la pintura. El cine cambió nuestra relación con el tiempo y la narrativa. Los instrumentos electrónicos transformaron la música. Veo a la IA como parte de esa continuidad, aunque la escala y la velocidad de esta transformación son extraordinarias».
Carlos Huffmann, profesor y coordinador de la licenciatura en Ciencias Sociales orientada en Arte de la Universidad Torcuato Di Tella (UTDT), suma: «Ya sea explorando sus posibilidades o desviándola de los fines para los que fue concebida, el diálogo del arte con el avance de la técnica es inevitable». Y reflexiona: «Lo nuevo en general resulta obsceno. Muchas obras que hoy se usan de fondo de pantalla o cuelgan como posters en salas de espera, en algún momento fueron causa de escándalo e indignación». No obstante, subraya que el «misterio del buen gusto» y el «tamiz de la historia» se ocupan de que «solo sobrevivan aquellas obras que tienen valor para nosotros».
Martín Parselis, artista, ingeniero e investigador en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Católica Argentina (UCA), opina que, si la herramienta no representa un aporte para las narrativas de un artista, no es necesario acoplarse al cambio tecnológico. «Hay artistas que apropian novedades tecnológicas como objeto, como instrumento, como material; mientras otros artistas mantienen prácticas que tienen siglos», detalla.
Tamar Colodenco, gerente de Políticas Públicas para Cono Sur de Google, señala que la evolución del arte junto a la tecnología puede ser una oportunidad para fomentar la «diversidad cultural y la inclusión» y «abrir nuevas formas de interacción a nivel global».
Dataland y el arte del futuro
Dataland abrió sus puertas en junio. Su propuesta, originada por Anadol y la investigadora y artista cultural Efsun Erkılıç, busca generar un espacio de arte multisensorial a través de IA y datos de sus propios visitantes. Su muestra inaugural Machine Dreams: Rainforest, inspirada en la Amazonía brasileña, cuenta con sensores en las paredes que calibran los movimientos del público, quienes utilizan un dispositivo similar a un reloj que monitorea sus emociones y su frecuencia cardíaca. Los visitantes recorren un entorno con visualizaciones inmersivas, olores de la naturaleza, sonidos y sabores.
Los datos recopilados, como movimientos, latidos y respuesta galvánica de la piel, influyen e interactúan con la obra al alimentar en tiempo real el modelo de IA, que responde con imágenes y fragancias. «Lo pienso como un museo vivo, donde las obras pueden evolucionar y donde las audiencias también pueden comprender las investigaciones, los datos, las tecnologías y las colaboraciones que hay detrás de aquello que experimentan», explica Anadol a LA NACION.
Para Anadol, el hecho de que una IA haya participado en la creación y proceso artístico «no hace que la emoción sea artificial». «Cuando alguien entra en una de nuestras instalaciones y siente asombro, calma, curiosidad o incluso incertidumbre, esa respuesta es profundamente humana», asegura, y celebra que tanto la curiosidad como el escepticismo pueden coexistir.
Huffmann señala que, si las emociones que suscitan son negativas, no significa que sean menos interesantes. Destaca una paradoja: «Una obra creada por una IA es ‘100% humana’, como también lo es una fotografía». «Considero que ‘somos’ nuestra tecnología en la misma medida que somos nuestro cuerpo», desliza.
Anadol revela que «no automatizar las preguntas» es un límite que se autoimpone como artista. «La IA puede generar posibilidades extraordinarias, pero sigo creyendo que los seres humanos debemos decidir qué vale la pena preguntar, qué merece nuestra atención y por qué debería existir una obra de arte en primer lugar», sostiene.
De cara al futuro, aventura que habrá obras «menos fijas y más vivas», con la capacidad de aprender, cambiar, responder a su entorno y, quizás, «existir de manera diferente para cada persona que las experimenta». «El desafío ya no consiste simplemente en crear otra obra de arte. Consiste en imaginar experiencias, preguntas y formas de significado que antes no existían. Las obras más interesantes del futuro probablemente serán aquellas para las que todavía no tenemos un nombre», afirma Anadol.